德國慕尼黑Munich | 老繪畫陳列館 Alte Pinakothek 必看館藏

身為藝術愛好者的我，來到德國慕尼黑不能錯過位於慕尼黑西北邊的老繪畫陳列館（Alte Pinakothek）。這間不僅是世界上最古老的美術館之一，收藏了從中世紀、文藝復興至18世紀中葉的數千幅畫作，可謂是穿越時空藝術的聖殿。

老繪畫陳列館歷史可以追溯至16世紀，起源於巴伐利亞統治者維特爾斯巴赫王朝的私人收藏，然而真正將這片藝術之寶公諸於世的功臣，是擁有卓越藝術眼光的巴伐利亞國王路德維希一世（Ludwig I），他深信藝術能夠啟迪教育大眾，因此命令設計師Leo von Klenze在慕尼黑的北郊設計一座美術館，為平民百姓開啟藝術之門。在1836年，老繪畫陳列館開幕，很快地成為歐洲收藏展示藝術的典範。另外，在附近有個於1853年開幕的新繪畫陳列館（Neue Pinakothek），館藏多為18-20世紀的畫作，但這間目前整修中暫時關閉，預計在2029年才重新開放。

在老繪畫陳列館收藏了眾多的經典作品，涵蓋了14至18世紀的畫作，展示了歐洲藝術史的多個時期和風格，像是著名的杜勒、魯本斯、拉斐爾、林布蘭、布雪等藝術家，都等待藝術愛好者去發掘欣賞，下面分享一些我看到喜歡的作品：

這幅是法國印象派畫家塞尚的名作《靜物與抽屜櫃》（Still Life with Chest of Drawers, 1887），塞尚擺放了水果、餐具和桌布在深棕色抽屜櫃前的桌子上，用簡潔的線條勾勒物體的輪廓，搭配對比色及重複色展現多變的動態感。

接著，這幅是19世紀法國印象派重要推手愛德華·馬奈的作品《工作室裡的午餐》（Luncheon in the Studio, 1868），畫中主要人物是萊昂·萊恩霍夫（Léon Koëlla Leenhoff），據說是馬奈的私生子，而後方兩位人物最初被認為是馬奈本人及妻子，但後來發現女子實為僕人，而抽菸男子則是藝術家的朋友。桌上的黃檸檬、生蠔和頭盔等元素呈現出真實的生活場景，這時的馬奈開始展現現代的現實主義風格。

《船上畫室中的莫內》（Claude Monet Painting in his Studio, 1874）同樣是馬奈的傑作。當時窮困潦倒的莫內在一艘搖晃的舊船上努力作畫，常仰賴馬奈的援助維持生計。在這艘｢浮動的工作室」中，他記錄光影的變化，描繪出塞納河沿岸的景色。身為莫內的好友或稱金主的馬奈深受他的影響，開始嘗試在戶外創作，因此這幅為以夏季時莫內作畫的樣子，被馬奈紀錄了下來。

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《奧維爾附近的平原》（Plain near Auvers, 1890）是梵谷在世最後一年的創作，37歲的他在1890年的春天來到了奧維，沉醉在這片如詩如夢的田野中。畫中的濃厚色彩、粗曠線條、翻湧成雲，不僅僅是梵谷熾熱情感的直接投射，更是一場心靈深處激動的表達。

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《十二朵向日葵》（Sunflowers, 1888）是梵谷著名的向日葵系列中的第二幅成品，於1888年在陽光明媚的法國南部亞爾所創作，而其中的每一朵向日葵都彷彿散發著熱烈的陽光和生命的活力。

由於粗獷特質、糙葉、如太陽和泥土氣息，他選擇向日葵作為一系列繪畫主題，並試圖捕捉旋轉的感覺，如向日葵生長大地、充滿生機的模樣，表達他對太陽的熱切期望。梵谷的向日葵不僅是植物描繪，更是充滿原始衝動和熱情的生命體。

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當仔細凝視這些作品時，可以感受畫中生命的脈動與巧思，引發觀者的共振共鳴，進而融入畫家豐沛的情感世界。

這幅畫是奧地利藝術家克林姆的作品《瑪格麗特‧維特根斯坦》（Portrait of Margaret Stonborough-Wittgenstein, 1905）。畫中的女主角是卡爾·維特根斯坦（Karl Wittgenstein）的女兒瑪格麗特，這幅肖像是於女兒婚禮時委託克林姆創作的。瑪格莉特穿著一襲優雅的白色洋裝，展現出莊重和高貴的形象。克林姆以簡潔而巧妙的手法呈現裙子上的花紋和刺繡，與背景的幾何形狀產生鮮明對比。

《卡尼賈尼神聖家族》（Canigiani Holy Family, 1507-1508 ）是文藝復興三傑拉斐爾的一幅木板油畫，畫面中聖女伊麗莎白單手懷抱著小約翰，以仰慕生動的表情凝視著身旁拄著法杖站著的聖約瑟夫。他則以讚美眼神扭頭俯瞰她，驚嘆著她雖年長，竟有如此年幼的小孩。這一瞬間透過拉斐爾的畫筆凍結在畫布上，使聖家族在畫布上生動而具有深度。

《聖母與聖嬰》（Madonna mit der Nelke, 1478）是達文西（Leonardo da Vinci）的畫作，描繪的是聖母瑪麗亞和聖嬰耶穌，聖母手中拿著一朵康乃馨（Nelke）典雅地呈現了母子之間的親密關係，同時展現了達文西在畫作中對光影和細節的精緻處理。

在老繪畫陳列館的魯本斯收藏被譽為世界上最重要、最全面的收藏之一，其中長達6.08*4.63平方公尺的祭壇畫《最後的審判》（The Great Last Judgement, around 1617 ）懸掛在魯本斯大廳的中間，不僅是這博物館中最大的一幅畫，所謂的「魯本斯大廳」是專為這幅畫而設計的，也是唯一一幅仍放置在 1836 年博物館成立時的位置的畫作。魯本斯的畫風以豐富細節、戲劇效果和生動情感展現濃厚的巴洛克風格。

這幅杜勒（Albrecht Dürer）於1500年所繪的自畫像（Self-Portrait, 1500），可說是老繪畫陳列館的鎮館之寶或是必看的畫作之一，也是他三幅著名自畫像中最具標誌和最複雜的一幅。畫中杜勒表情平靜地用智慧的雙瞳與觀者對視，背景僅有一片深邃的棕色和黑色，營造出一種陰沉卻莊重的情緒。這幅自畫像的獨特之處在於當時極少有藝術家以正面姿勢描繪自己，這種正面的表現讓人聯想到中世紀宗教藝術，特別是基督的圖像。長捲髮、鬍鬚及手擺放的位置，都是當時肖像畫中罕見的元素，引起了不少爭議。

這或許是杜勒在這幅作品中表達了更深層次的意義。有人猜測，他是否將自己畫成上帝的形象，而我則認為這反映了他虔誠的信仰。杜勒可能希望透過藝術來傳達信仰，就如同他一生中創作了眾多與聖經故事相關的主題。這幅自畫像仿佛栩栩如生，畫中人的眼睛似乎在訴說著一個深刻的故事。

在畫作右上角的銘文中，杜勒寫道：”我，紐倫堡的阿爾布雷希特·杜勒，在自己的畫作中描繪了二十八歲的自己。” 這一句話為這幅畫作增添了歷史的厚重感，讓觀者更能理解藝術家在特定年齡的自我呈現。

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